ARTES Y LETRAS

Domingo 27 de Agosto de 2000


De los Ultimos Pasos del Gigante

Se han reeditado cinco discos de John Coltrane en formato de disco compacto. Se trata, en orden cronológico, de "Impressions", "Kulu Sé Mama", "Ascension", "New Thing at Newport" e "Interstellar Space". Todos pertenecen a su última etapa, caracterizada por el misticismo y las ambiciosas exploraciones musicales.
Por Marcelo Somarriva Q.

Acomienzos de los sesenta, John Coltrane había concluido su período de aprendizaje junto a Miles Davis (1955-1961) y Thelonious Monk (1957). El saxofonista comenzaba a reclutar los músicos de su cuarteto - el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones- que acabaría siendo célebre. Coltrane conocía a McCoy Tyner desde que éste último tenía 17 años y cuando buscaba a un baterista que remedara la energía de Philly Joe Jones ya había escuchado acerca del talento de Elvin Jones, sin embargo entonces el baterista estaba en la cárcel por algunos líos con drogas, de los que Coltrane prefería ni acordarse. Más tarde acabaría contratándolos a los dos y reemplazando definitivamente al bajista Reggie Workman por Jimmy Garrison, aun cuando por un tiempo los dos compartieran el escenario.

A esta formación básica se le sumó, como una especie de quinto integrante, el saxofonista, clarinetista y flautista Eric Dolphy. Según Naima Coltrane, su marido siempre afirmaba, que además de Sonny Rollins, Eric Dolphy era su amigo más verdadero. Dolphy era dos años menor que Coltrane, juntos hablaban de toda clase de técnicas de improvisación y escuchaban grabaciones tribales de los pigmeos sudafricanos. El trabajo conjunto de Coltrane y Dolphy durante el período de 1961 a 1962 contribuyó en gran medida a propulsar el movimiento de la música free.

En 1961, Coltrane firmó su primer contrato con el naciente sello Impulse. Fue el primer artista y luego la estrella del sello que entonces se autopromocionaba como el enclave de "la nueva onda en el jazz". El contrato - renovable cada tres años- comprendía dos álbumes anuales; Coltrane fue entonces el músico de jazz mejor pagado, después de Miles Davis, por supuesto.

Ese mismo año, asumió como productor artístico de Impulse Bob Thiele, quien se convertiría en pieza clave del éxito de Coltrane.

Impressions

A su primer período en Impulse pertenecen las grabaciones de "Impressions". De los cuatro temas del disco reeditado, dos fueron grabados en vivo en el Village Vanguard el 3 de noviembre de 1961. Uno, con el cuarteto ampliado por Eric Dolphy y otro con dos bajistas, Reggie Workman y Jimmy Garrison. Los dos temas restantes fueron grabados en el estudio de Van Gelder en New Jersey en 1962 y 1963; el primero de ellos por una parte del cuarteto y los dos últimos con Roy Haynes en reemplazo de Elvin Jones que estaba fuera de combate por líos con drogas.

A comienzos de los sesenta, Coltrane se había vuelto en un obsesivo del estudio de grabación. Grababa a altas horas de la noche en los estudios de Van Gelder, a instancias del entusiasta Bob Thiele, que prefería trabajar a esas horas para ahorrarse problemas con sus superiores que eran más de la idea de que el músico se limitara a cumplir con sus compromisos contractuales. Coltrane se inclinaba cada vez más por la libertad del estudio de grabación, ante las limitaciones de tiempo y repertorio que imponían los dueños de los clubes.

A fines de 1963, el cuarteto de Coltrane era una de las agrupaciones de jazz más influyentes. Sin embargo, su música dividía cada vez más a la audiencia entre filias y fobias radicalizadas. Como señala Bill Kirchner, en el librito de la reedición de "Impressions", la música interpretada por Coltrane dividió intensamente a la audiencia a causa de su inédito nivel de intensidad. John Coltrane, sigue Kirchner, un hombre gentil y bien hablado, llevó a su música una clase de fervor nunca antes visto en una música orientada a la entretención.

Sus críticos favorables coinciden en que si la pasión de Coltrane resultaba algo obvio para el público, era mucho más difícil que éste accediera a sus cualidades más cerebrales, a su "lógica matemática". A propósito del aspecto externo de la música de Coltrane, J.C Thomas, destaca su notoria cualidad abrasiva y que sus líneas mélodicas hacen el efecto de olas que crecen sucesivamente, extinguiéndose y volviendo a encresparse de manera cada vez mayor. Pero la comparación de J.C. Thomas no llega sólo a la forma externa, la música de Coltrane crece como las olas, pero también tiene la profundidad del mar.
1965

El agitado año de 1965 fue el pivote de un período durante el cual Coltrane se desenvolvió orientando su música hacia diversas direcciones, disolviendo muchas veces todo lo que había estado haciendo hasta entonces. Nunca antes Coltrane había vivido tal cantidad de sucesos significativos, musicalmente hablando. Publicó, para bien o para mal, álbumes cruciales; dio conciertos memorables e hizo sesiones definitivas. A fines de ese año, Coltrane tenía un puñado de discos explosivos bajo el brazo, un nuevo grupo de acompañantes y también una nueva familia.

En 1965, la revista Down Beat eligió "A Love Supreme" como el mejor disco del año y a Coltrane como el mejor intérprete de saxo tenor, tanto por los críticos nacionales como internacionales. Obtuvo además el segundo lugar entre los saxos sopranos. Ingresó, por último, al "Hall of Fame", donde sólo habían entrado Lester Young y Coleman Hawkings (como saxos tenores).

Coltrane bien pudo haber seguido en el camino seguro que le señalaba el inmenso éxito de "A Love Supreme".

Ascension

En el verano del 1965, Coltrane agregó 7 músicos a su cuarteto. Según el propio Coltrane, no se trataba de una big band ni de un pequeño ensamble, sino sólo de él y sus amigos. La formación, además de él, la constituían Freddie Hubbard y Dewey Johnson en trompeta; Marion Brown y John Tchicai en saxo alto; Pharoah Sanders y Archie Shepp en saxo tenor; McCoy Tyner en piano; Art Davis y Jimmy Garrison en bajo, y Elvin Jones en batería.

El disco "Ascension", fue el resultado de una serie de sesiones de grabación que se realizaron el 17 y 26 de mayo y el 10, 16 y 28 de junio. Según J.C Thomas en "Ascension", como en buena parte de la música de Coltrane, el método se redujo a tener una simple página de música como guía

El disco remite a la música vocal africana, por los intensos y explosivos diálogos entre los solistas y la sección rítmica. El probable precursor de esta forma de composición, inédita en las experiencias de Coltrane, es "Sun Ra", con sus concepciones de improvisación colectiva. "Sun Ra" compartía con Coltrane sus inclinaciones por la música cósmica y espiritual. John Maclaughin decía que mientras escuchaba "Ascension", caía en una especie de trance y se veía volando sobre Africa.

Se grabaron entonces dos tomas de "Ascension". Esta vez se publican por primera vez en forma conjunta. De las dos tomas grabadas, Coltrane autorizó la primera y luego se desdijo. Para la segunda edición del disco se cambió la toma, pero no se modificó la especificación de los solos.

"Ascension" fue tajante en la división de las aguas. Para los entusiastas se trata de una declaración de independencia respecto de las restricciones prevalecientes y para los escépticos equivale a la última estación del viaje de un músico talentoso al caos total.

En julio de 1965 el cuarteto original se reunió para tocar en el Festival de Newport. Lewis Porter señala en su libro "John Coltrane. His Life and His Music" que Coltrane se muestra expansivo en las postrimerías de su experiencia con el cuarteto. La cita fue registrada en el disco reeditado "New Thing at Newport. Archie Shepp y John Coltrane". En esa oportunidad ambos músicos, maestro y discípulo, tocaron en forma separada, aunque el nombre del disco llame a equívocos.

De acuerdo a Shepp, según puede leerse en el librito que trae el disco, Coltrane fue quien le probó a él y a su generación que era posible crear 30 o 40 minutos de música improvisada. En el proceso les demostró que tenían que tener el nervio - en términos de imaginación y preparación física- para sostener tales vuelos.

Después de "Ascension" los cambios que se insinuaban a la distancia se hicieron evidentes. La instrumentación aumentada se volverá la norma y, como señala Lewis Porter, Coltrane gradualmente se acercaba a tocar sobre un ritmo persistente, continuo (en su música el bajo no hará nunca más el tradicional "walking" y no habrá ningún ritmo que el oyente pueda seguir chasqueando los dedos). Coltrane - continúa Porter- permitía en sus grabaciones y presentaciones un espiritualismo que algunos encontraban amateur y otros algo liberador y revolucionario.

Kulu sé Mama

El proyecto del disco "Kulu sé Mama" fue ideado a partir de un poema del percusionista Julian "Juno" Lewis y se originó después de dos sesiones de grabación. La primera de ellas fue ejecutada en junio de 1965 por el cuarteto original y la segunda, a la que el álbum debe su nombre, en octubre de ese año con un ensamble ampliado.

En septiembre de 1965, entró al grupo de Coltrane el saxofonista Pharoah Sanders, quien se convertiría en uno de los protegidos más emblemáticos de Coltrane.

"Kulu sé Mama" significa, en inglés, algo así como "God sees Mama". Como señala David Wild - en su presentación del disco- la pieza comienza con un estruendo de tambores, seguido por una mezcla de "kalimba" y percusión; luego Lewis se pone a cantar y se inician los vientos. El efecto africano y ritual es completo. En el desarrollo de las inquietudes africanas de Coltrane se acusa la influencia del activista y músico nigeriano Babatunde Olatunji.

Otro músico que empezó a merodear a Coltrane era el joven baterista Rashied Ali. De formación fundamentalmente autodidacta, era conocido de Coltrane desde hacía tiempo. El saxofonista quería una mayor intensidad en el sonido de la batería y decidió reclutar a un segundo baterista, el elegido fue Ali. Este último y Elvin Jones formaron en el escenario una dupla mal avenida de notable potencia. El pianista McCoy Tyner dejó a Coltrane en diciembre de 1965 para formar su propio grupo y seguir sus propias direcciones musicales. Más tarde lo imitaría Jimmy Garrison y algunos años después lo haría Elvin Jones. La razón por la que se fueron los músicos fue, en definitiva, la misma: no se oían.

A Elvin Jones nunca le pareció buena idea eso de las dos baterías. Se fue sin aviso para unirse a la banda de Duke Ellington que estaba en gira por Europa. Esperaba reemplazar al baterista en ejercicio, pero para su desmayo, Ellington prefirió dejarlos a los dos. Volvió al redil de Coltrane por un tiempo y luego lo dejó definitivamente.

Como recalca Lewis Porter, Elvin Jones y McCoy Tyner siempre tuvieron a Coltrane en su más alta consideración. Jones defendía la música del postrer Coltrane diciendo: "Bueno, por supuesto que está más allá, porque es una tremenda mente la que está involucrada, tú sabes. No te esperarás ver a Einstein jugando poker, o no"

En 1966, Coltrane lanzó "Meditations", disco que tuvo una recepción extremadamente polarizada. Tan opuestas fueron las reacciones que la revista Down Beat le dio espacio para dos críticas, una de Don Demichael, que le otorgó cinco estrellas - la máxima calificación- , y otra de Bill Russo, que sólo le dio una. A pesar de que este disco no es uno de los que se reeditan ahora, vale la pena revisar lo que se dijo en la ocasión, para ilustrar como estaban los ánimos. De Michael señaló: "No pretendo entender esta música. Dudo si alguien, incluyendo quienes la ejecutan, realmente la entienden, en el sentido de que uno entiende, por decir, la música de Bach, Billie Holiday. Yo siento esta música, o, mejor como digo, abre una parte de mí mismo que normalmente está firmemente cerrado, y sentimientos pocas veces admitidos, emociones, pensamientos". Por otro lado, Bill Russo justificó su estrella solitaria afirmando que Coltrane se hundía repitiendo las mismas figuraciones una y otra vez como si con repetirlas mejorara lo poco que tenían que ofrecer las primeras dos o tres veces que se escucharon.

Interstellar space

El 27 de febrero de 1967, Coltrane grabó 6 duetos con el baterista Rashied Ali que se editaron póstumamente. Según Lewis Porter, estas grabaciones son un punto de partida ideal para el auditor que quiera comprender la última música de Coltrane. Cree, también, que Coltrane con estas piezas pretendía armar una especie de suite.

Lewis Porter analiza en su libro este disco en forma detenida. Advierte que Coltrane comienza cada una de sus interpretaciones con un tema principal, del cual se va alejando, para luego regresar a la inversa. A su juicio, en todos los temas es posible descubrir cierto patrón. Distingue tres modelos; uno de escalas que descienden muy rápidamente, repetidas una y otra vez (según Porter, Coltrane quería crear un efecto orquestal con estas escalas); otro de cambios rápidos y extremos de registro, y por último uno que llama "Right side up and right side down", por el cual se crean variaciones de un motivo al cambiar su forma, yendo arriba en vez de abajo, usando el mismo ritmo o el mismo número de notas de diferentes formas.

Cuando grabó este disco, Coltrane estaba enfermo, pero aún no le habían diagnosticado el cáncer hepático que terminó matandolo. Murió el 17 de julio de 1967, apenas un día antes había ingresado al hospital.

Coltrane quería ser santo.


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